Doug Deming & The Jewel Tones

Groovin’ At Groove Now !
Live in Basel, Switzerland

Endless Blues Records DDGAGN062023

Deming (vo, gt) est né à Detroit en 1970 et y a débuté sa carrière dans les années 90 avec Alberta Adams et d’autres musiciens locaux puis dans tout le Midwest avant de s’installer, en 2009, à Tampa en Floride. On a ici son cinquième album enregistré live à l’Atlantis Basel pour la série de concerts Groove Now à Bâle en Suisse, face à un public chaleureux. Deming a composé huit des onze faces et il est entouré de Andrew Gohman (basse) et Zack Pommerlau (drums et hca). Pour l’occasion, il a été rejoint par des guests : Sax Gordon Beadle et Terry Hanck (saxophones) et Bill Heid (claviers). Doug Deming a été inspiré par des bluesmen comme T. Bone Walker, Luther Tucker et par des jazzmen, en particulier Charlie Christian dont l’influence est manifeste tout au long mais plus encore dans le premier morceau, East Side Hop, un instrumental uptempo lancinant, en deux parties où guitare, piano et saxophones rivalisent de créativité. Même ambiance survoltée dans les faces chantées avec beaucoup de détermination par Deming comme Bloodshot Eyes de Wynonie Harris, jazzy, triomphant et fervent, ou No Sense à l’humour décapant avec Bill Heid (p) au top, ou encore Put It Down, humoristique lui aussi avec de belles combinaisons de saxes, guitare et orgue. Idem avec Every Night When I Get Home en slow. Il y a aussi des faces très blues comme les autres reprises, I’m Ready (Fats Domino), une partie déjantée à fond la caisse à NOLA, ou Oh Baby (Willie Dixon / Little Walter), entraînant et vitaminé avec Pommerlau excellent à l’harmonica et encore An Eye For An Eye, un slow blues hypnotique composé par Deming, mais « à-la-Muddy-Waters ». À noter aussi Only Time Will Tell, un excellent blues fonceur et mordant avec Bill Heid très inspiré à l’orgue, comme Pommerlau à l’harmonica. Recommandé. –

Robert Sacré

Mike Bourne Band
with Johnny Burgin

Cruisin’ Kansas City

Blue Heart Records BHR/029 – www.blueheartrecords.com

James Michael Bourne (chant, gt, compos) a grandi à Kansas City (Missouri) et il est dans le circuit depuis 1998, inspiré par T. Bone Walker, Louis Jordan et d’autres. Après de longs séjours à Chicago, jouant avec de grands bluesmen comme Otis Rush, Sam Lay, Barrelhouse Chuck et beaucoup d’autres, il est revenu à Kansas City, une ville qui occupe une place importante dans le jazz (Count Basie, Jay McShann…) et dans le blues avec des blues shouters comme Big Joe Turner, Walter Brown, etc. Pour rendre hommage à sa ville et à son riche palmarès musical, il a formé son band, le “Kansas City Boogie”, avec ses amis Patrick Recob (basse), Adam Hagerman (dms) et Sam Treinen (sax) et il a accueilli des invités comme Johnny Burgin (gt), Dave Creighton (orgue), John Paul Drum (hca dans trois faces) et, pour une seule face, Johnny Iguana (piano), Big D Ericson (hca), Rob Lorenz (dms), Greg Hopkins (tp), Mike Grinns (basse) et Mickey Munoz (dms). Bourne a écrit les textes des onze titres chantés, il a effectué les arrangements des treize faces et on découvre, tout du long, un guitariste inspiré et créatif alternant avec un Johnny Burgin qui fait sa part de travail dans onze faces avec l’entrain et le talent qui le caractérisent. À l’écoute, on découvre avec plaisir du jump blues vitaminé lorgnant parfois du côté du rock’n’roll voire d’un style honky tonk de bon aloi. On commence dans l’euphorie avec Cruisin’ Kansas City, un instrumental au rythme soutenu qui déménage ferme, suivi de l’humoristique Lose Your Rings Keep Your Fingers, bien enlevé avec de belles parties de saxophone (S. Treiner) et d’orgue (D. Craighton). Tout le reste est à l’avenant, générant un plaisir d’écoute ininterrompu avec, en points d’orgue, Humpty Dumpty, un jump blues en médium avec saxo et guitare à l’honneur, Hollow Man, du Chicago blues sur rythme rapide avec J.P. Drum (hca) présent aussi dans Golden Rule (un slow blues avec guitare slide), Missouri Boy (du honky tonk blues autobiographique, festif et triomphant avec de belles parties de guitare), ou encore Running Song sur tempo enlevé, du rock and roll qui casse la baraque avec des passages d’harmonica (Drum) et d’orgue (Craighton) mémorables. Tout cela swingue ferme. D’aucuns auront, comme moi, un faible pour The One, une ballade sentimentale avec une belle mélodie rétro qui remplirait aisément une piste de danse pour un frotte-frotte amoureux, comme dans les années 50. Enjoy ! –

Robert Sacré

Jimmie Bratcher

Far Enough

Ain’t Skeert Tunes / CD Baby

Bratcher (vo, gt, compos) c’est aussi “The Eletric Rev”, un Révérend qui opère à partir de Kansas City, MO. Depuis 2001, il a produit douze albums, un livre de recettes de cuisine et deux DVD live ! Storyteller apprécié, il fait régulièrement la tournée de clubs, d’églises et de prisons pour prêcher et délivrer ses messages d’espoir et de rédemption sur fond de blues rock et de ballades country. Il est entouré de Eric Stark (claviers, lap steel, strings, compos), Craig Kew (basse), Aaron Mayfield (orgue), Brandon Draper (drums), Bob Harvey et Steve Molloy (tp), Mark Cohick et Brett Jackson (saxes) et de guests. Bratcher et Stark ont co-composé les onze faces et co-produit ce treizième album qui est accompagné d’un livre de 117 pages intitulé « Far Enough Stories & Songs ». Religion, profession de foi et recherche de rédemption sont au centre de la plupart des morceaux avec des ballades en slow comme My Name is Sinner et Save Me From Myself, des lamentations dramatiques, ou The Road That Leads Home autobiographique et mélancolique avec Micah Burdick à la guitare acoustique, ainsi que Chains ou When He Dreams (The Cow Boy Song), la complainte d’un aveugle qui a gardé la foi et utilise son imagination avec, invités, M. Burdick (guitare acoustique) et Judah Earl (strings). À noter Don’t Count Me Out, du R&B funky fonceur et déterminé avec cuivres, Hammond B3 et sax baryton et Why Is It We Don’t Dance Anymore, bien rythmé et regrettant le bon vieux temps où l’on dansait et encore Don’t Bring That Evil Around Here, comminatoire et revendicateur avec Bratcher à la slide. –

Robert Sacré

Dudley Taft

Guitar Kingdom

Autoproduction

Taft (vo, gt) a appris la guitare puis s’est perfectionné à la fameuse Berklee School of Music. Il a passé du temps avec des groupes de hard rock et des grunge bands de Seattle et fait de nombreuses tournées. Il vit à Cincinnati dans une maison ayant appartenu à Peter Frampton et dotée d’un studio d’enregistrement dans lequel il a déjà produit et enregistré huit albums avant celui-ci. Il est entouré de Kasey Williams (basse), Alex Dungan et Nick Owisanka (drums), Andy Smith (claviers), sa fille Ashley Charmae (chant) et des invités, John Kessler (basse) et Walfredo Reyes Jr. (percus). Il a composé dix des onze titres repris ici, tous célébrant sa passion pour son instrument de prédilection dans un style qui témoigne de ses influences, du blues au blues rock, avec des touches de métal et de country. Démonstration dans sa confession Black & Blues (« … I broke all the rules… ») ou dans le titre éponyme martelé et péremptoire (« … la guitare c’est mon mode de vie… / it makes me feel alive… ») et encore dans l’autobiographique Old School Rocking (« … I love that old school rocking… »), chaque fois avec des envolées de guitare passionnées et exubérantes. Déçu par la vie, il avoue sans fard son goût pour les paradis artificiels dans (I Wanna) Get Stoned et ses préoccupations métaphysiques pour l’au-delà dans The Great Beyond, tandis que Favorite Things, frénétique et survolté, donne la liste de ses passions, les guitares, les voitures, etc, mais quand même aussi sa compagne ! On a aussi Darkest Night, une ballade contemplative et un peu hors contexte et la conclusion de cette séance est une reprise de Tinsley Ellis, A Quitter Never Wins, en slow mais avec punch. Tous les textes sont repris dans les notes de pochette sauf Favorite Things, un oubli ? Dudley a été nominé “Best Guitarist” en 2017 par les European Blues Awards. –

Robert Sacré

Jeff Pitchell

Playing with my Friends

Deguello Records DG2174 /Distr. Orchard – www.jeffpritchellofficial.com

Originaire de Nouvelle-Angleterre, Jeff Pitchell (chant, guitare) a gagné ses premiers lauriers musicaux dans le Connecticut. C’est son neuvième album et il est excellent. Il a composé ou co-composé neuf des treize titres, tous dédiés au blues, au R&B et au blues-rock teinté de soul et son ambition était de mettre en avant ses collaborations avec des amis musiciens de grand renom. Cela démarre tambour battant avec quatre compositions personnelles, Eye for an Eye, un excellent blues fonceur et musclé (déjà repris par John Mayall en 2009) avec Jeff Levine (claviers), suivi de Prisoner of Love, du même tonneau, avec Jay Geils à la slide, puis de Your Magic Eye, une belle ballade soul en slow et So Into You, un super slow blues avec Reese Wynans aux claviers et Charles Neville au saxophone (Neville que l’on retrouve dans le titre éponyme, une composition de Robert Cray-Dennis Walker) fougueux, gai et jouissif, en plein accord avec le titre, où le chant est assuré par Claudette King, une des filles de B.B. King. Pitchell est au top au chant et à la guitare du début à la fin, même dans des ballades soul en slow comme le très mélodieux Not Guilty de Lucky Peterson en version épicée au parfum latino et même dans Fat Cigars où il use et abuse des distorsions et effets wah-wah, ou encore dans un Blinded by Desire hanté et halluciné. Il y a d’autres perles dans cet album comme Out in the Cold, une ballade soul au rythme de rumba avec Tyrone Vaughan (fils de Jimmy et donc neveu de Stevie Ray) tant au chant qu’à la guitare en duo avec Pitchell, l’excellent All Night Long, du boogie-woogie enlevé et déjanté avec Duane Betts à la guitare et Unsung Hero, un slow blues VSOP avec Rick Derringer tant au chant qu’à la guitare en duo avec Pitchell. Une mention encore à I Like the Rut, une ballade revigorante avec Christine Ohlman au chant, en invitée et une bonne version slow du I Would’nt Treat a Dog de Bobby “Blue” Bland pour conclure l’album. –

Robert Sacré

Will James

Sundancer

No label, no number

Will James est un chanteur-guitariste, auteur-compositeur originaire de sud de l’Angleterre qui a eu l’occasion d’aller enregistrer un album aux Steakhouse Studios de Los Angeles avec John Gilutin (orgue, claviers), Randy Jacobs (guitare rythmique), Nathan Brown (basse), Sergio Gonzales (drums), Dan McConkey (saxophone) et Tim Quicke (tp). Les dix titres sont placés sous le signe du swing et du jazz. Le disque est également très ancré dans le blues et la soul avec, souvent, des accents funky et des interventions décisives de Gilutin à l’orgue et de McConkey au saxophone comme Shadowman ou Still Blue, une ballade jazzy en slow. On notera aussi Grindstone (du talking jazz funky avec James en forme à la guitare), l’excellent 6 Up bien enlevé avec guitare et orgue inspirés, et Pack It Up dans la même veine. Home mérite aussi une mention pour sa connotation blues ainsi que Q Blues qui swingue à tout va. À suivre. –

Robert Sacré

µ

Danny Liston

Everybody

Blue House Records – www.dannyliston.com

Originaire de Dogtown, le quartier irlandais de Saint Louis (Missouri), Danny Liston (chant, guitare) a été membre du groupe Mama’s Pride, choisi pour faire partie de la famille Atlantic Records et graver trois albums avant de collaborer un temps avec le Gregg Allman Band. S’ensuivit une traversée de désert consécutive aux dérives et addictions de Liston. Le voici requinqué et remis en selle avec Davy Smith (basse), Steve Potts (drums), Will McFarlane (guitare), Mark Narmore et Rick Steff (claviers), Alan Branstetter (tp), Brad Guin et Buddy Leach (saxophones) et quelques invités pour un nouvel album produit par Jim Gaines. Liston a composé les dix titres inspirés par ses déboires, ses expériences personnelles et sa guérison. Toutes les paroles sont à consulter dans les notes de pochette. Cela donne des ballades soul, en slow ou médium, comme Everybody (Needs Somebody), un message d’espoir et de délivrance, Real Man (une leçon d’humilité aux accents gospel), Old Friends (une ode à l’amitié entre potes), Right As Rain, Love Everybody (ou comment vivre en paix et en harmonie avec le monde) ou encore Scandal (les mensonges qui vont de pair avec un ménage à trois). À noter encore Didn’t Find My Blues (in Mississippi), un slow blues qui part à la découverte de la source magique du pouvoir de la musique, et deux faces dédiées à ses anciennes addictions, Goodbye Jack Daniels (R&B bien enlevé pour marteler sa détermination) et l’émouvant Made To Rock’n Roll qui rapporte, avec de belles parties de guitare, les états d’âme de l’une d’entre elles, inemployée trop longtemps et dédiée au Rock’n’ Roll. L’opus se conclut avec A Change Has Come relatant, en slow, sa rédemption et aussi sa liberté et sa paix enfin retrouvées. –

Robert Sacré

Various Artists

Girls
Vocal Girl Groups
Jazz, Pop, Doo-wop, Soul 1931-1062

Frémeaux & Associés FA 5847 (Box 3 CDs) – www.fremeaux.com

Les groupes vocaux féminins, souvent familiaux (sœurs, cousines) sont apparus à la fin des années 20 et ont suscité un engouement impressionnant et persistant pendant des décennies avec leurs harmonies vocales dans tous les domaines, du jazz au doo-wop, de la pop à la country en passant par la soul. Dans une Amérique toujours hantée par ses démons du racisme et des discriminations, il n’est pas étonnant que ce soient d’abord des chanteuses blanches qui aient lancé ce phénomène, ce qui n’enlève rien à leur talent bien sûr. Aussi est-il fort agréable de retrouver dans cette compilation des groupes de chanteuses célèbres, souvent soutenues par des orchestres de jazz talentueux comme les Frères Dorsey, Buddy Freeman, etc. Ainsi on retrouve les Boswell Sisters dans quelques-uns de leurs succès (Mood Indigo en 1933, Alexander’s Ragtime Band en 1934, etc.), les Andrews Sisters (Bei Mir Bist Du Schoen en 1937, Tuxedo Junction en 1940, Boogie Woogie Bugle Boy en 1941, etc.) et des groupes que je connaissais moins – voire pas du tout – et qui valent le détour, comme les De Marco Sisters (Bouillibaise en1953), les Dinning Sisters (Aunt Hagar’s Children Blues en 1945), les Fontane Sisters (Castle Rock en 1951) et autres King Sisters (In The Mood en 1939), à retrouver sur le CD1 (26 faces) et au début du CD 2 (28 faces). À noter sur CD 1 un duo africain-américain, les Dandridge Sisters (Vivian et Dorothy) avec Minnie the Moocher is Dead (1940) en se souvenant que Dorothy Dandridge fit une belle carrière plus tard dans la chanson et au cinéma (Carmen Jones, Porgy and Bess). C’est à partir du milieu des années 50 que des groupes de jeunes filles noires vont rejoindre la vague du rock’n’roll et du doo-wop avec, en précurseures, les Hearts en 1955 avec Lonely Hearts, suivies d’une foule d’émules comme les Paris Sisters et des groupes venant directement du black gospel et du R&B comme les Enchanters/ Deltones, les Queens de Shirley Gunter, les Cookies (adoptées par Ray Charles qui les rebaptisera les Raelets), les 3 Tones of Joy (avec le Johnny Otis Show), les Quin-Tones, les Chantels, les Bobettes, les Miller Sisters ou les Staple Singers de Pops, Yvonne et Mavis Staples, etc. : présents sur CDs 2. À la fin des années 50, les artistes noirs ont voulu franchir la frontière raciale et accéder au circuit blanc au prix d’une édulcoration des rythmes, mélodies et texte, et ce sont d’autres groupes qui vont occuper le devant de la scène comme les Shirelles, les Blossoms, les Crystals, les Darling Sisters (rebaptisées Ronettes par leur producteur Phil Spector), les Chiffons avec Judy Craig, les Marvelettes, Martha Reeves (& The Vandellas), les Supremes de Florence Ballard puis Diana Ross, les Charmaines, les Tonettes, les Ikettes (de Ike Turner), les Orioles, Patti Labelle et les Bluebelles et les Starlets qui sont à l’honneur dans le CD 3 (28 faces). Elles sont toutes là et c’est à une re-découverte fascinante qu’est confronté l’heureux possesseur de ce coffret remarquablement documenté qui fait revivre toute une époque et rappelle (ou crée) beaucoup de bons souvenirs. –

Robert Sacré