Lady J Huston

Groove Me Baby

Earwig Music/UniSun Productions CD EWR4980 – www.earwigmusic.com

Joyce “Lady J” Huston (chant, trompette, composition, direction musicale, arrangements et production : excusez du peu !) est un personnage hors du commun. C’est une enfant de la balle, elle fut amenée au chant et à la danse par sa mère, Loyce Pickens-Hudson, une chanteuse renommée à Saint Louis dans les domaines du Jazz, du Gospel et du Blues. Lady J fit ses débuts de chanteuse et de danseuse dans les shows de sa mère, puis, encore adolescente, avec le pianiste Johnnie Johnson (ex-Chuck Berry). Elle fit ensuite partie du band d’Albert King pendant des années comme trompettiste, puis leader de la section cuivres, avant de devenir son directeur musical et seule femme du band (1). Par la suite, elle s’installa à Las Vegas, forma son propre band, donnant des concerts sans relâche pendant vingt-cinq ans, multipliant Awards et récompenses comme le titre de “Las Vegas Queen of the Blues”. Depuis 2018, Lady J est revenue à Saint Louis et y a déployé une activité débordante en concerts et tournées. Pourtant, c’est son premier album (2) et elle a mobilisé plus de trente musiciens en plus du Jazz Edge Orchestra de Saint Louis pour mettre en valeur son chant, son jeu de trompette et de bugle (flugelhorn). Elle a composé seule ou en collaboration neuf des douze faces. C’est du Rhythm & Blues triomphant, à savoir la fusion exacerbée des cuivres du jazz avec un blues bien trempé qui prend aux tripes comme dans Your Call ; ça swingue à tout va et ça casse la baraque. C’est le cas aussi dans Hide-Away (2) enflammé et slow au début, avant de s’emballer avec violence et de finir apaisé ! Quant au titre éponyme, c’est du soul blues en slow, jubilatoire et exprimé avec conviction. À noter encore Messin’ ‘Round On Da Bayou, du New Orleans funk inspiré par son drummer, Jimmy Prima, neveu de Louis Prima. Lady J reprend aussi deux morceaux de sa mère : une version moderne de son 500 Pounds of Good Gizzay plus que coquin et I Want A Man Like That de Chick Finney (1963). Dans le même domaine ‘olé- olé’, on trouve Mean Stud Lover’s Blues (3), un bawdy blues comme les chanteuses de blues classique des années 20 et 30 aimaient déjà les chanter pour exprimer leurs appétits sexuels. Méritent aussi l’attention : Corona You Made Me Sick, un slow blues ironique se référant à la pandémie Covid, At Last en live, un hommage ému à Etta James et Born Under A Bad Sign, un hommage enflammé à son ex-boss, avec les excellents Jason Cooper (gt) et Ben Shafer (sax ténor). –

Robert Sacré

Notes :
(1) On peut la voir à l’oeuvre avec Albert King dans le show télévisé du band intitulé Maintenance Shop Blues, PBS Special , 1981 (www.youtube.com/watch?v=4E8LUadBIpO) et dans des clips plus récents sur YouTube : Groove Me Baby (https://www.youtube.com/watch?v=G3IyErl0TxE), Corona You Make Me Sick (https://www.youtube.com/watch?v=j1E7aWoezt0)…
(2) Au moins une face est déjà parue en single en 2019 : Hide-Away (une composition personnelle, rien à voir avec le hit de Freddy King).
(3) En deux versions, dont une instrumentale (avec chœurs en background).

Lil’ Jimmy Reed & Ben Levin

Back to Baton Rouge

Nola Blue Records NBR/023

Leon Atkins, a.k.a. Lil’ Jimmy Reed, est né à Hardwood, près de Baton Rouge, Louisiane, en 1938. Il reste un des derniers représentants du swamp blues louisiannais. Les dix faces – ou presque – de cet album rendent hommage à sa région natale avec cinq compositions originales (Atkins – Ben Levin) et cinq reprises, avec le concours du jeune pianiste surdoué de Cincinnati, Ben Levin (23 ans !) qui est littéralement en symbiose avec son aîné et dont le père, Aron Levin, est à la guitare. Avec eux, on trouve Walter Cash Jr. à la basse et deux drummers, Ricky Nye et Miss Shorty Starr (The Empress of the Blues). Cet opus est excellent et un bon candidat aux Awards. Le titre éponyme consacre le retour aux sources d’Atkins qui, à 85 ans, a gardé sa belle voix de bluesman et sait y faire avec sa guitare ; c’est un slow blues intense et émouvant, très swamp blues, tout comme l’autobiographique They Call Me Lil’ Jimmy, revendiquant son identité. Influencé par Jimmy Reed dans sa jeunesse, il a eu l’occasion de le remplacer au pied levé dans un club, y gagnant au passage son nom de scène ; il lui rend hommage avec le bien vitaminé Down In Virginia en ouverture de l’opus et récidive avec un excellent I’m The Man Down There, inquiétant à souhait, ou l’obsédant A String To Your Heart. Autres reprises, le In The Wee Wee Hours de Jimmy Liggins, façon torride, et le Mailbox Blues de Slim Harpo en version slow et heurtée, une belle conclusion à cette séance. À noter encore Wish You Wouldn’t, un slow blues intimiste et délicat composé par Aron et Ben Levin et les compositions d’Atkins comme Engine Light, un blues lent intense et Cincinnati’s The Best Place To Be, fervent hommage, festif et enjoué, à la ville de la famille Levin qui l’a bien accueilli. Si vous êtes nostalgiques du swanp blues que Jay Miller enregistrait à Crowley dans les années 50 et 60, avec une touche moderne apportée par Ben Levin et ses complices, cet album est pour vous ! Et pour les autres aussi, évidemment. –

Robert Sacré

The Nick Moss Band
with Dennis Gruenling

Get Your Back Into It

Alligator Records ALCD 5013 – www.alligator.com

On ne présente plus Nick Moss (chant et guitare), un des membres les respectés de la communauté blues de Chicago. Il s’est fait connaître successivement comme bassiste de Jimmy Dawkins puis comme guitariste de Willie “Big Eyes” Smith au sein du Legendary Blues Band avant de faire partie du band de Jimmy Rogers pendant des années, y perfectionnant son jeu de guitare et apprenant les arcanes du show business, comment manager un groupe et négocier des contrats. Finalement, c’est en 1997 qu’il a formé son premier groupe et sorti son premier album en 1998 sur Blue Bella, son propre label. Beaucoup d’autres albums ont suivi sur tout un panel de compagnies et c’est en 2016 qu’il a formé équipe avec Dennis Gruenling, un harmoniciste renommé et un ami depuis plus de vingt ans. Le duo a rejoint la famille Alligator et on tient ici leur troisième opus pour ce label, avec Rodrigo Mantovani (basse, percus et production), Taylor Streiff (piano, claviers), et Pierce Downer (drums). Il y a des invités : Sax Gordon Beadle (saxophones) et Brother John Kettke à l’orgue sur l’instrumental enlevé Out Of The Woods, en mode jazz, bourré de swing, dans lequel Sax Gordon bien présent quasi partout, est particulièrement actif et mis en valeur. Nick Moss a composé douze des quatorze faces et Gruenling les deux autres, le rentre-dedans Man On The Move qu’il chante avec détermination, tout comme Your Bark Is Worse Than Your Bite, extraverti et pétillant d’humour. Tout au long de cet enregistrement, Moss et Gruenling rivalisent de savoir-faire et de talent, tous deux sur la même longueur d’onde et en parfaite harmonie. C’est du blues électrique traditionnel à l’ancienne faisant revivre, avec panache, une époque révolue et cela démarre avec The Bait Is In The Snare joyeux et festif suivi d’Aurelie, un slow blues obsédant et tout en nuances. Le titre éponyme (… implique toi… !) est en medium avec, outre guitare, slide et harmonica exaltés, de belles parties de piano (T. Streiff) ; Living In Heartache en slow est une lamentation sur les affres de l’amour ; Lonely Fool et Loosing Ground sont dans la même veine. On notera encore It Shocks Me Out, ironique et humoristique, ainsi que Bone’s Cantina, un instrumental guilleret et dansant aux accents latinos (avec quelques mesures de La Cucaracha), clin d’œil à leur ami Anthony Ramirez ; et surtout The Solution, un hommage émouvant à Jimmy Johnson décédé l’an dernier à l’âge de 93 ans. L’opus se termine en beauté avec Scratch ‘n’ Sniff, un instrumental proto rock and roll débridé qui donne des formis dans les pieds. –

Robert Sacré

Raphael Wressnig
& Igor Prado

Live
More Groove, More Good Times

Pepper Cake Records/ ZYX-Musqic CD PEC 2141-1, Vinyl LP PEC 2141-2 – www.zyxmusic.com

Un trio austro-brésilien de choc avec Raphael Wressnig, un des meilleurs spécialistes actuels de l’orgue Hammond B3 – digne émule et héritier des Jimmy Smith, Jimmy McGriff et autres géants du genre – et les Frères Prado, Igor un guitariste du top niveau, jazzman accompli et star du R&B et Yuri à la batterie, efficace et parfaitement en phase avec ses partenaires. Cela donne un album live excitant et punchy, avec six faces instrumentales et deux chantées, l’une par Wressnig lui-même, Born to Roam, évoquant la vie trépidante des “Traveling Men”, les musiciens toujours sur la route, avec une prestation brillante d’Igor Prado que l’on retrouve lui aussi au chant dans Drive It Home, un blues exalté au parfum New Orleans marqué. Les faces instrumentales sont elles aussi sous le sceau de la vitalité, d’un dynamisme entraînant et d’une créativité exubérante comme Kissing My Love, du jazz funky jouissif, Crossfire, du R&B festif, sous pression, haletant et fonceur comme No More Okey Dokey au swing dévastateur. Faceslap Swing n°5 est jazzy, genre « rouler à tombeau ouvert ». Puisvient le calme après la tempête avec Ain’t No Love (In the Heart of the City), une ballade inspirée et évocatrice en slow, déjà sur un album précédent mais ici en version live. Brillant tout au long, cet album est sans la moindre faille. –

Robert Sacré

Monster Mike Welch

Nothing But Time

Gulf Coast Records GCRX-9046 – www.gulfcoastrecords.net

Né en 1979 à Boston, Welch (vo, gt) a une belle carrière de trente ans au compteur et un douzaine d’albums à son actif. Celui-ci a été produit et enregistré par Kid Andersen dans ses Greaseland Studios de San José, Californie, et il intervient, ici et là, à la basse et/ou aux claviers. Welsh a composé dix des quatorze faces et il y a du beau monde à l’accompagnement comme Jerry Jemmott (basse), Bob Welsh (piano), (notre ami Français) Fabrice Bessouat (drums) et une section de cuivres au top avec Eric Spaulding ou Mike Peloquin (sax ténor), Jack Sanford ou Dr. Aaron Lington (sax baryton, John Halbied (tp) et Mike Rinta (tb), ainsi que Rick Estrin (hca) en guest dans une seule face. Tout est blues pur jus, même I Me Mine de George Harrison qui commence en ballade bluesy et devient vite du blues mordant et assumé. C’est pareil pour le reste, deux reprises de Robert Johnson, de If I Had Repossession Over Judgement Day en version enlevée et fervente à la slide et avec Rick Estrin (hca) à Kind Hearted Woman qui clôture l’opus en beauté avec Welch en solo, guitare et chant falsetto ; c’est empreint d’émotion et de délicatesse. Il y a aussi, en slow, Ten Years Ago de Buddy Guy, lancinant et obsédant. Et puis il y a les compositions de Welch lui-même, des slow blues comme Walking To You Baby, intense et rentre-dedans, In Case You Care, bien scandé et même I’ve Got Nothinbg But Time, une ballade bluesy avec deux choristes (Mesdames Welch et Andersen !) et puis il y a des morceaux uptempo comme Offswitch Blues, mordant et agressif, Lost Every Battle haletant et trépidant, Jump For Joy, du jump blues V.S.O.P. et aussi Hard To Get Along With, en médium, une confession caustique. Tout est bon, pas de déchets. Tout au long de cet album, il faut saluer le travail impeccable de la section de cuivres, de Kid Andersen à l’orgue, de Bob Welsh au piano et de la section rythmique (basse, drums). Un parcours sans faute et un album recommandé sans réserve. –

Robert Sacré

Joanna Connor

Best Of Me

Gulf Coast Records GCRX-9044

Janna Connor est née en 1962 à Brooklyn et a grandi en Pennsylvanie. Elle a pris des cours de guitare et s’est prise de passion pour le blues. Dès lors, en 1984, elle est allée s’installer à Chicago et, un mois après son arrivée, elle attira l’attention de Johnny Littlejohn qui la prit dans son band, puis elle fut engagée par Dion Payton et son 43rd Street Blues Band qui était en résidence au Checkerboard et au Kingston Mines. Ensuite, elle fit un long passage chez A.C. Reed avant de fonder son propre orchestre et sa carrière discographique démarra en 1989 pour Blind Pig Records, avant de tourner abondamment aux États-Unis, au Japon, en Amérique du Sud et en Europe. En 2002, elle passa chez M.C. Records puis chez Ruf Records. Elle avait gagné en notoriété et, en 2019, ses performances en vidéo ayant généré un buzz considérable, elle fut contactée par le metteur en scène de cinéma Adrian Lynne (1) et par le guitariste Joe Bonamassa, lequel lui proposa d’enregistrer un album studio sur son label KTBA Records (2). Il sortit en 2021 sous le titre « 4801 South Indiana Avenue », n°13 dans sa discographie bien garnie ! En 2023, la voici chez Gulf Coast Records de Mike Zito pour un nouvel opus où elle propose un mélange de jazz, de ballades, de funk et de pop, sans oublier une poignée de blues (trop rares) et démontre sa virtuosité sur sa Gibson Les Paul Standard. Elle a composé les onze titres, seule ou en collaboration avec son bassiste Shaun Gotti Calloway. Ils sont accompagnés par Jason J. Roc Edwards (dms), Dan Souvigny (rh. gt, keys), Curtis Moore Jr. (organ) et par une section de cuivres avec Fernando Castillo (tp, cor), Carlos Sosa (saxophones, flûte), Raul Vallejo (tb) et il y a aussi Eric Demmer (solo de sax) et Josh Smith (gt) en guests sur House Rules (composé par S. Calloway seul), une face funky et festive sur fond de cuivres en furie et de guitare distordue. On a alors une série de ballades mélancoliques, en slow, comme le titre éponyme et sa suite, I Lost You, des ballades pop comme All I Want Is You, Shadow Loser (avec Mike Zito, gt), Greatest Of These et même une ballade jazzy en médium, bien scandée sur un thème masochiste, Pain And Pleasure (avec Josh Smith, gt). On pourra aussi savourer Highway Child, enlevé et pétillant, avec un Joe Bonamassa transcendant à la guitare, le funky Two Of A Kind, énergique, où les cuivres se taillent la part du lion, ou encore Mercury Blues, du blues vitaminé et détonant, ainsi que Shine On qui clôture la séance tambour battant avec Jason Ricci à l’harmonica. –

Robert Sacré

Notes :
(1) Lynne lui a offert un rôle dans le film “Deep Water” avec Ben Affleck, sorti en mars 2022.
(2) KTBA = Keep The Blues Alive

Coco Montoya

Writing On The Wall

Alligator Records ALCH 54014 – www.alligator.com

Henry “CoCo” Montoya est un membre éminent de grande famille des bluesmen. Il est né en 1951 à Santa Monica, CA et il a trente ans de carrière au compteur. Il a démarré aux drums, mais était déjà intéressé par la guitare. Il fut remarqué vers 1975 par Albert Collins qui le prit sous son aile et l’aida à développer ses talents de guitariste. Quelques années plus tard, c’est John Mayall qui lui demanda de rejoindre ses Blues Breakers avec lesquels il passa dix ans, apparaissant sur sept albums de Mayall. En 1995, il grava trois albums sous son nom pour Blind Pig Records puis, en 2000, trois albums pour Alligator Records suivi de deux pour Ruf Records et, depuis 2017, trois albums encore pour Alligator, ce qui fait au total onze albums sous sa signature. Pour ce nouvel opus, il a choisi ses fidèles accompagnateurs de tournée : Jeff Paris (claviers, compos, production), Nathan Brown (basse), Rena Beavers (drums) et son producteur de prédilection, Tony Braunagel (+ drums). Concrètement, cela donne un album où Montoya justifie sa réputation de soul singer (avec une voix exsudant la passion) et de guitariste exceptionnel, « incendiaire » comme disent certains. Montoya a composé ou co-composé cinq des treize faces gravées au studio de Jeff Paris. À noter une version vitaminée et rentre-dedans de You Got Me (Where You Want Me) de Don Robey interprétée en son temps par Bobby “Blue” Bland avec, ici, l’apport appréciable de Ronnie Baker Brooks (guitare, chant) ; à retrouver encore dans Baby You’re A Drag, punchy et passionné, qui commence en talking blues. Notable encore, A Chip And A Chair en slow, avec en guest Lee Roy Purnell (slide guitar), ou l’onirique What Did I Say, planant, une ode à l’introspection. On notera aussi l’intense et menaçant Late Last Night en medium, de même que le dynamique et exultant Be Good To Yourself (un conseil judicieux) et surtout une belle version du Stop de Lonnie Mack, un slow blues poignant et tragique. Un musicien à revoir en concert au plus tôt. –

Robert Sacré

Eric Johanson

The Deep And The Dirty

Ruf Records Ruf 1305 – www.rufrecords.de

Eric Johanson (vo, guitare, compositions) est né en 1985 à Alexandria en Louisiane. Il a fait ses classes à New Orleans et sur Beale Street à Memphis. Il a beaucoup voyagé et même vécu quatre ans en Nouvelle Zélande avant de regagner la Louisiane, riche d’expériences qui ont nourri son imagination et ses compositions. Il a été découvert par Tab Benoit qui lui a fait graver son premier album en 2017 sur son label (Whiskey Bayou Records). Il a ensuite repris la route et entamé une série de tournées mondiales avec Cyril Neville, J.J. Grey & Mofro, les Neville Brothers, Mike Zito et d’autres et, en 2019, il a enregistré un deuxième album en duo avec sa cousine Tiffany Pollack pour Nola Blue Records à New Orleans, suivi d’un troisième avec Luther et Cody Dickinson pour le même label. Son quatrième album sort chez Ruf Records. Son répertoire est plus éclectique, hard rock, Americana, New Orleans funk, country, southern rock, soul, sur fond de blues traditionnel ouvert aux autres styles modernes. Il est à la tête d’un trio talentueux avec Terence Higgins (drums) et Eric Vogel (basse) et c’est Jesse Dayton qui a produit l’album, joué du tambourin (avec Patrick Herzfeld) et co-composé sept des douze titres avec Johanson qui est l’auteur, seul, des cinq autres. Les thèmes favoris explorent les contradictions et les subtilités de la vie moderne avec un message récurrent : « … profitons de l’instant présent, c’est tout ce que nous aurons… », comme dans Don’t Hold Back, du hard rock avec guitare en folie ou Familiar Sound, Borrowed Time (avec slide) et She Is The Song, bluesy, tous trois et en slow. Le reste se décline en faces rocks fougueuses et emportées comme The Deep And The Dirty, Beyond The Sky, Galaxy Girl, Gets Me High ou Stepping Stone. Deux faces se détachent nettement pour moi : Undertow, du R&B fonceur et rentre-dedans avec des passages de guitare épiques et revigorants et Just Like New, du down home Delta blues en slow où Johanson a troqué sa guitare électrique pour une National Resonator métallique. On pourrait y ajouter Elysian Fields, un bel hommage à cette célèbre avenue de NOLA, allant du Sud au Nord, du Mississippi au lac Pontchartrain avec six bandes de circulation et nommée ainsi en hommage aux Champs-Elysées à Paris. Du beau travail. –

Robert Sacré